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Saison 4 

Le nouveau monde 

 janvier 2019 

original : https://www.bearmccreary.com/#blog/blog/outlander-season-4/ 

  

La  saison quatre de l' Outlander raconte un voyage dramatique: des rues animées de l'époque coloniale de Wilmington, à travers de vastes étendues de nature sauvage des Appalaches, aux terres Cherokee et Mohawk. Ce voyage saute de la modernité des années 1960 à la tension pré-révolutionnaire bouillonnante de l'Amérique du XVIIIe siècle. Ces paramètres présentent un défi pour un compositeur, car chaque époque, culture et situation géographique offre des influences musicales potentielles pour la partition. Mon objectif était d'assimiler toutes ces idées dans une partition qui aide le public à suivre les différents fils narratifs et soutient toujours le drame. Oh, et je voulais aussi utiliser des banjos maintenant! 

SACS ET BANJOS 

Mon travail a commencé lorsque j'ai décidé de réorganiser une nouvelle version de «The Skye Boat Song» pour le titre principal de la saison. Changer le titre principal d'une série est relativement rare à la télévision, et pourtant c'est la sixième, sans doute la septième, itération de la chanson populaire bien-aimée que j'ai produite pour  Outlander . (Le précédent était de la saison 1  l'origine , la saison 2 de « français » et « Jacobite » versions, et la saison 3 de « Après Culloden » et « Caraïbes » versions. J'ai aussi produit un « Extended » version pour la Saison 1 Volume 2 album de bande son, bien que il n'a jamais été utilisé dans la série elle-même.) 

Avant de commencer à écrire, les producteurs ont demandé que ma musique aide à transporter le public dans un nouveau décor. Ils voulaient que la musique sonne différemment. La saison se déroulant entièrement en Amérique, il était clair que ce nouvel arrangement du titre principal - et le score de la quatrième saison dans son ensemble - devrait avoir un son distinctement américain. J'ai travaillé avec un musicologue et fait des recherches sur la musique folklorique populaire de l'Amérique pré-révolutionnaire. Sans surprise peut-être, la majorité des chansons folkloriques américaines de cette époque ont été importées d'Angleterre, souvent accompagnées de nouvelles paroles. L'une des premières chansons révolutionnaires les plus célèbres était «The Liberty Song», avec des paroles de John Dickinson, mais tirant sa mélodie de «Heart of Oak», l'hymne de la Royal Navy du Royaume-Uni, et de la chanson irlandaise «Here une santé. » (En fait, 

Dépouillées de leurs paroles, ces chansons américaines coloniales sont essentiellement britanniques, jouées sur la plupart des mêmes instruments avec seulement de subtiles pratiques d'interprétation qui les séparent. Si j'avais marqué cette saison d'  Outlander en  utilisant uniquement de la musique américaine historiquement exacte, le public aurait discerné très peu de différence entre la partition de cette saison et la musique de l'époque où notre histoire était enracinée en Écosse. J'ai dû regarder en dehors des domaines de ce qui était historiquement exact pour trouver un nouveau son. J'ai choisi d'intégrer dans la partition de la musique appalachienne du XXe siècle. 

Une grande partie de l'histoire se déroule dans les Appalaches, une région d'Amérique avec une forte identité musicale. Au cours de quelques centaines d'années, la musique des Appalaches est devenue ce que nous classons aujourd'hui comme de la musique bluegrass, country et folklorique. Ces genres mettent l'accent sur des styles vocaux spécifiques: des tons vocaux clairs et sonores empilés dans des harmonies triadiques, souvent avec des faussets aigus. Cette musique a également popularisé des instruments tels que le banjo, la mandoline, le violon et un dulcimer fretté, utilisé si souvent qu'il est devenu connu sous le nom de dulcimer des Appalaches. Au début des années 1920, la musique des Appalaches a commencé à être enregistrée dans des enregistrements sur le terrain, et dans les décennies à venir, les enregistrements commerciaux en studio la transporteraient à travers le monde, culminant avec une influence massive sur le regain d'intérêt pour la musique folk dans les années 1960. 

Nos principaux protagonistes du voyage dans le temps, Claire, Roger et Brianna, auraient été familiers avec ces sons dans une certaine mesure, à tel point que je me sentais confiant de les utiliser dans la partition instrumentale. Oui, la musique des Appalaches s'est surtout développée au début du XXe siècle, mais elle offrait les sons musicaux que Claire et Brianna auraient associés à la région. En fait, leurs souvenirs nostalgiques du XXe siècle ont influencé mes décisions avec la partition. Après tout, je ne fais pas de documentaire sur l'Amérique coloniale. Je marque le parcours émotionnel de nos personnages. 

(Cette même philosophie m'a permis d'utiliser «The Skye Boat Song» comme titre principal de la série en premier lieu, bien qu'il ne soit pas historiquement fidèle à l'ère jacobite. Les origines de la mélodie sont difficiles à retracer, et les paroles de Robert Louis Stevenson ont été écrites plus de cent cinquante ans plus tard en 1892. Cependant, en raison de la popularité écrasante de la chanson dans les années 1890 et au début du XXe siècle, j'ai senti que Claire aurait connu la chanson, alors j'ai imaginé qu'elle l'avait repris avec elle temps.) 

L'une des grandes joies de réinventer «The Skye Boat Song» pour chaque saison d'  Outlander  est d'apporter des changements audacieux. Et «Appalachian Version» de la saison 4 pourrait être la plus audacieuse à ce jour. Dans mon premier sketch, j'ai de nouveau permis à la chanteuse Raya Yarbrough d'introduire la mélodie a cappella, puis je l'ai progressivement soutenue avec des strums apparemment sans effort à partir d'un banjo, d'une mandoline et d'un dulcimer des Appalaches. Dans la section B, j'ai ajouté au mix une basse droite et les doux coups de pinceau d'un kit de batterie moderne. La section rythmique nous enracine fermement dans la pratique de la performance du XXe siècle. Pour le refrain final, Raya est rejointe pour la première fois par de nouveaux chanteurs! J'ai fait venir les trois meilleurs chanteurs de bluegrass que je connais: Paul Cartwright, Ira Ingber et Matt Cartsonis. 

Le producteur exécutif Ron Moore et les autres producteurs ont été tellement surpris et impressionnés par le son qu'ils voulaient le pousser encore plus loin, demandant à Raya de réenregistrer la voix principale une fois de plus, et qu'elle se penche davantage sur les styles bluegrass de notre trio de soutien. Raya, dont le père l'avait plongée dans le monde du folk et du blues depuis qu'elle était enfant, savait exactement quoi faire. Elle a interprété à nouveau la chanson, et avec cela, le titre principal de la saison 4 était terminé. 

Quand je réfléchis à mes expériences avec cette chanson, je dois rire de l'étrange voyage que cela a été. Lors de la première saison, j'avais peur de même changer un mot du texte! (Ron Moore a suggéré que nous changions «garçon» en «fille» pour refléter les besoins de l'histoire.) Depuis, j'ai plié et adapté cette chanson dans de nombreux styles différents que je n'aurais jamais pu prévoir à ce moment-là. Pourtant, à chaque permutation, l'intégrité et l'âme de la chanson restent claires. C'est peut-être pourquoi la chanson elle-même a duré si longtemps. Comme toutes les chansons folkloriques immortelles, il existe quelque chose d'inhérent à son ADN musical qui lui permet de changer, d'évoluer, de se fondre et de s'adapter à de nouvelles interprétations, tout en conservant son identité. Je suis reconnaissant à cette chanson pour ce qu'elle a apporté à ma vie créative et je me demande ce qu'on pourrait en faire d'autre. 

PRINCIPAUX SPOILERS À VENIR: Avec la décision prise d'introduire l'instrumentation de la musique des Appalaches, la partition d'  Outlander  Saison 4 est essentiellement née. L'instrumentation bluegrass peut être ressentie dans le premier épisode de la saison, mais à partir du deuxième épisode, «Do No Harm», elle fait sa marque musicale. Lorsque Jamie et Claire arrivent à River Run, nous entendons la douce cueillette du banjo et du dulcimer. J'ai été inspiré par les images de leur bateau fluvial, car elles évoquaient des souvenirs de Huckleberry Finn et Tom Sawyer. Plus tard dans l'épisode, une séquence comique impliquant Rollo après avoir été attaqué par une mouffette a fourni une autre merveilleuse occasion de se pencher sur l'instrumentation des Appalaches dans un style ludique. À partir de cet épisode, les couleurs du bluegrass ont pris de l'importance. 

En approfondissant le trait de soulignement, j'ai d'abord examiné les éléments des saisons précédentes que je voulais conserver. Je savais que je conserverais des éléments de l'instrumentation écossaise, en particulier les différentes cornemuses, les sifflets à un sou et le violon de style écossais, car j'en suis venu à associer ces instruments à Jamie et Claire. J'ai senti qu'il était important pour le public d'avoir un certain sentiment de familiarité lorsqu'il a regardé cette saison. 

Beaucoup de mes autres thèmes originaux jouent des rôles importants tout au long de cette saison, trouvant souvent de nouveaux arrangements dans le cadre distinctement américain.Le public entendra les chuchotements du thème Jamie et Claire, bien qu'il passe à un rôle plus de soutien.L'orchestre à cordes s'envole avec plusieurs variations du thème des pierres, représentant toujours des voyages dans le temps.Les volutes du thème Frank se reproduisent de manière fantomatique.Fergus et Marsali, John Gray et Willie ont tous des thèmes qui résonnent tout au long de leurs scènes.Murtagh, ce vieux rebelle coriace, est associé comme toujours à un arrangement d'une chanson folklorique écossaise, «McPherson's Farewell», un morceau qui semble toujours faire écho aux pertes qu'il a subies. 

Trouver l'équilibre entre les thèmes nouveaux et anciens et les couleurs instrumentales se révélera finalement être mon plus grand défi de la saison. 

NOUVEAUX THÈMES 

 

Outlander  est une partition thématique, avec plus d'une douzaine de thèmes importants déjà établis. La saison 4 nécessitait un nouveau matériel thématique qui en viendrait à représenter de nouveaux personnages, lieux et arcs d'histoire. Ces nouveaux thèmes seraient entrelacés avec des thèmes plus anciens pour créer une riche tapisserie musicale. Je crois que les connexions musicales de longue date aident à solidifier l'histoire pour le public et à approfondir l'impact des moments émotionnels, même si ce n'est qu'à un niveau subliminal. 

Parmi les nouveaux thèmes que j'ai écrits cette saison, aucun n'était aussi important que le thème Brianna et Roger. Cela peut surprendre certains que Roger et Brianna n'aient pas eu leur propre thème auparavant. Dans mon article de blog discutant de leur introduction, dans la finale de la deuxième saison, j'ai même remarqué l'absence de thème pour Brianna, affirmant que ses séquences concernaient sa poursuite du fantôme de Jamie. Il n'y avait pas de place dans ses scènes pour la définir musicalement, alors qu'elle ne s'était pas encore définie. Cette décision a eu un impact sur la troisième saison, où Brianna et Roger ont fait des apparitions relativement brèves, principalement à l'appui du scénario de Claire. Ces scènes laissaient également un espace insuffisant pour introduire un thème. Au lieu de cela, j'ai juré de donner à Roger et Brianna un thème lorsque le moment était venu, et l'inspiration m'a frappé. 

Maintenant, au début de la quatrième saison, non seulement Roger et Brianna s'avançaient pour réclamer plus de temps d'écran et de poids narratif, mais les producteurs et moi commençions à sentir que le score s'appuyait trop sur Jamie et Claire's Theme. Nous avons estimé qu'il était temps d'introduire un nouveau thème de personnage important dans la partition, un thème qui pourrait servir de partenaire musical au thème Jamie et Claire. 

En créant le thème Roger et Brianna, mon objectif était de composer un thème distinct, mais égal, qui pourrait éventuellement générer le type d'impact émotionnel au cours de plusieurs saisons que je crois que le thème Jamie et Claire a avec le public. Je me suis fortement inspiré à la fois des influences musicales des années 1960 et de l'influence bluegrass sur la partition. Un simple ostinato sur des guitares acoustiques choisies par le doigt fournit la base du thème ... 

… Suivi d'une douce mélodie, le plus souvent à la mandoline.   

De par sa conception, le thème est similaire au thème Jaime et Claire, avec de subtiles références et influences écossaises. Par exemple, cachés dans la ligne mélodique se trouvent des exemples de la figure emblématique de la note de grâce ascendante qui se produit sur les temps forts de la musique écossaise. Dans sa forme la plus pure, leur thème évoque également la musique folklorique populaire des années 1960, et s'accorde simultanément avec la partition instrumentale influencée par les Appalaches. J'espère que ce sens subtil de la modernité sert de rappel constant que ces deux viennent d'une époque plus proche de la nôtre. 

Le thème de Roger et Brianna apparaît pour la première fois dans le premier épisode, lors de la conversation mélancolique de Jamie et Claire sur la façon dont l'Amérique deviendra finalement son pays à l'avenir. Dans les épisodes suivants, il est présenté lors de chaque scène dans laquelle l'un ou l'autre des personnages apparaît, car il représente les deux côtés de leur relation tumultueuse et de leurs voyages l'un vers l'autre. Certaines de mes occurrences préférées du thème Roger et Brianna incluent la séquence étendue où Brianna arrive dans le passé dans «Down the Rabbit Hole». Dans cette réplique, des cordes orchestrales mélancoliques énoncent les thèmes des pierres, les tissant autour de la mandoline solo perçante du thème Brianna. La musique mélange les sons de la saison 1 et de la saison 4, soutenant de manière subliminale pour le public l'idée que Brianna a maintenant voyagé dans le temps. 

Il y a plusieurs déclarations émotionnelles de leur thème dans «Wilmington», où Roger et Brianna sont réunis. Ma préférée est probablement la cérémonie du handfasting, où les notes individuelles du thème sont arrachées avec élégance et lenteur, sur fond doux d'harmoniques à cordes, avant de donner de l'énergie à une déclaration lyrique d'orchestre à cordes, soutenue par un violon solo. Un autre moment marquant est lorsque Brianna embrasse pour la première fois son père dans «Les oiseaux et les abeilles». Ici, l'orchestre à cordes soutient la mélodie dans une nouvelle ligne de basse descendante, donnant à son thème une couleur émotionnelle différente. Le thème de Briana peut même être trouvé caché furtivement dans des ornements baroques influencés par Mozart dans la réplique où Jocasta présente Brianna à des prétendants potentiels dans «If Not For Hope. 

Le thème Roger et Brianna était le nouveau thème le plus fréquent de la saison, mais pas le seul nouveau matériel significatif que j'ai présenté. La saison quatre présente un nouveau personnage méchant, Steven Bonnet, interprété avec une ruse vile par Ed Speleers. J'ai été immédiatement frappé par sa présence, et j'ai voulu lui écrire un thème qui pourrait soutenir sa méchanceté. 

Le thème Steven Bonnet est malveillant, construit à partir de petits intervalles récurrents qui lui confèrent une qualité tordue et sinistre. En m'inspirant à nouveau de la nouvelle instrumentation de la saison, je présente le plus souvent son thème sur les dulcimers et la mandoline, demandant aux joueurs de laisser dans la frette des bruits, des rayures et d'autres irrégularités de performance live qui produisent un son brut. Le thème de Bonnet fait également allusion à son éducation irlandaise. En fait, ma longue esquisse initiale de son thème comprenait une section B inspirée des bobines irlandaises, se rapprochant presque d'un son des Young Dubliners ou Chieftans. En fin de compte, c'est principalement la section A en acier du thème qui a trouvé une place dans ses scènes cette saison, mais je garde cette version plus longue de son thème dans ma poche arrière pour une utilisation future, si cela devenait nécessaire. 

Techniquement, le thème de Steven Bonnet fait ses débuts dans le premier épisode, se produisant subtilement lorsque Jamie et Claire décident de l'aider à le faire passer clandestinement à la liberté. À ce stade de l'histoire, sa nature méchante n'est connue que des fans qui ont lu les livres. Je le présente musicalement avec une version clé majeure de son thème, faisant croire, espérons-le, au public qu'il est leur ami à ce stade. Ce thème amical majeur de Steven Bonnet est de courte durée. Son thème revient ensuite tout au long de «Down the Rabbit Hole», soutenant son intimidation de Roger alors qu'ils traversent l'Atlantique. Son thème est également présenté pendant la montée tendue de l'horrible scène de viol à la fin de «Wilmington», et revient dans une variation malveillante de «Providence», pour la séquence où Brianna affronte Bonnet en prison. 

Souvent sur  Outlander , j'ai utilisé la musique pour représenter des lieux aussi fortement que je le fais pour représenter des personnages, ayant introduit des thèmes musicaux pour représenter l'Écosse, Paris, les Caraïbes et maintenant les montagnes sauvages de l'est américain. Cependant, un endroit en particulier, Fraser's Ridge, a déclenché une conversation sur l'introduction d'un thème encore plus spécifique. 

Nous avons d'abord posé les yeux sur Fraser's Ridge à la fin du troisième épisode, «The False Bride». C'est le lieu où Jamie et Claire plantent en Amérique, un engagement qui continuera à avoir une signification narrative à l'avenir. Ma première ébauche de la séquence portait sur le thème Jamie et Claire, car c'était clairement un grand moment pour eux. Cette démo a déclenché une conversation entre le showrunner Ron Moore, les autres producteurs et moi-même sur la possibilité d'introduire un nouveau thème. 

Le thème Jamie et Claire est venu représenter leurs aventures tumultueuses et passionnées. Dans ce contexte, cependant, nous avons tous senti que la force du thème devenait sa faiblesse. C'était une mélodie trop familière pour figurer dans une scène qui parlait de nouveaux départs. Dans la scène où Jamie et Claire regardent de Fraser's Ridge vers leur nouvelle patrie, nous devrions penser à l'avenir et non au passé. Ron a suggéré que nous introduisions un nouveau thème pour Fraser's Ridge, et j'ai convenu que c'était un moment suffisamment important pour mériter sa propre musique. 

 

Depuis que Jamie et Claire commencent leur nouvelle vie en Amérique, je me suis fortement penché sur l'instrumentation bluegrass et Appalachian, allant même jusqu'à ramener la contrebasse et la batterie. Le thème Fraser's Ridge est une simple mélodie en 6/8, construite autour d'une oscillation progressive entre ré majeur et mi majeur qui révèle finalement leur relation dans un saut satisfaisant vers la majeur. 

Nous entendons d'abord cette progression d'accords percutante à la fin de "The False Bride" avec ce magnifique plan large, représentant Jamie et Claire regardant vers l'horizon. La section rythmique bluegrass et les cordes symphoniques se gonflent ensemble dans un magnifique crescendo, l'un de mes moments musicaux préférés de la saison. 

Après ces débuts mémorables dans le troisième épisode, The Fraser's Ridge Theme fait quelques autres apparitions dans «Common Ground» et «The Birds & The Bees», ajoutant un soutien plein d'espoir aux scènes où les Frasers construisent leur nouvelle vie en Amérique. 

Ron Moore et moi n'avions pas l'intention que ce thème remplace complètement le thème Jamie et Claire, qui a encore une place dans nos deux cœurs. L'idée était plutôt d'augmenter leur identité musicale, en introduisant du matériel thématique dans le seul but de soutenir leur nouvelle vie en Amérique, libérée des souvenirs du passé. Le thème Fraser's Ridge est l'un des développements musicaux les plus importants de la saison et j'attends avec impatience la possibilité de l'utiliser davantage à l'avenir. 

 

LA PRÉSENCE DES AMERICAINS NATIFS 

 

Le développement musical le plus distinct de cette saison est peut-être l'introduction de l'instrumentation amérindienne. Pour la première fois, mentionné dans la mystérieuse séquence d'ouverture de la première, j'ai trouvé l'occasion d'explorer pleinement ces sons à partir du troisième épisode, «The False Bride». Ce qui a commencé avec une nouvelle instrumentation subtile au cours d'une séquence trippante où Claire voit pour la première fois Otter Tooth, évolue finalement vers une toute nouvelle palette musicale qui dépasse pratiquement toute la bande-son alors que le récit plonge dans des conflits avec les tribus Cherokee et Mohawk. 

Je sentais fermement que la présence amérindienne dans le spectacle devait être soutenue par une instrumentation authentique, et j'ai donc principalement puisé dans les percussions et les bois, ajoutant des voix pour des séquences extraordinaires. Pour la majorité des scènes, j'ai mis l'accent sur des tambours similaires dans le timbre à ce qui aurait été joué par ces tribus à cette époque, en m'appuyant fortement sur des tambours de style pueblo à deux têtes, des tambours de chaman et des tambours en peau de cerf. Divers hochets ont été utilisés, y compris des gousses de graines attachées ensemble avec de la ficelle, des hochets de gourde et un hochet de carapace de tortue. Pour les séquences de dent de loutre plus éthérées, ou les séquences d'action nécessitant plus de couleurs, j'ai puisé dans des couleurs plus exotiques de partout dans les Amériques, en ajoutant le qilaut inuit, des carapaces de tortues jouées comme un tambour à bûches et le teponatztli aztèque. 

Bien que ces couleurs aient fourni l'épine dorsale de la majorité des scènes impliquant des Amérindiens, plusieurs séquences me sont apparues comme nécessitant quelque chose de spécial. J'ai ajouté une voix en vedette à leurs palettes instrumentales déjà excitantes. En règle générale, la présence de voix ou de chœurs dans  Outlander  a toujours été utilisée pour représenter le voyage de Claire, ou les Stones, ou «The Skye Boat Song». C'est la première fois qu'une présence vocale aussi distinctement nouvelle est introduite dans la partition, et j'espère qu'elle a eu le même impact sur le public qu'elle a eu sur moi! 

La première séquence de ce type s'est produite dans «Common Ground», lors de la confrontation de Jamie avec «l'ours».Ce passage de la partition est basé sur la Cherokee Bear Dance, et le chant a été interprété par un talentueux chanteur amérindien nommé Jaraneh Nova.J'ai été complètement abasourdi par sa personnalité musicale unique, et j'ai été ravi de la façon dont elle a intégré son son dans la partition et a élevé le drame. 

 

« Je pouvais sentir le respect que  Outlander  étend aux peuples des Premières nations, comment ils ont vraiment la valeur et l' authenticité d'honneur », a déclaré récemment Jaraneh, réfléchissant sur son expérience avec le score. «Les sessions ont été un beau rassemblement de mon expérience cérémonielle et de mon sens de la musique, tout en servant de narration à l'histoire qui se déroule. Trouver des lignes vocales dans la brillante partition de Bear était un vrai plaisir! J'ai particulièrement aimé refléter l'émotion de la scène avec la voix. Des vibrations élevées et très amusant! » 

Après notre première session, j'étais à la recherche d'une autre séquence pour présenter Jaraneh. Cette opportunité arriverait dans la finale, pendant la scène dans laquelle Claire entend l'histoire de Otter Tooth. Au cours de ce passage, la voix de Jaraneh revient, posée au-dessus de la texture obsédante des synthés ambiants, des cordes symphoniques et des percussions amérindiennes. Ici, Jaraneh chante des mots et des phrases communs aux Mohawks ou universels, faisant occasionnellement de légères omissions pour insérer les mots dans l'espace offert par le drame. Le texte comprend: 

Yoon gwa no loon gwa gaw
_Nous aimons l'eau
_ («Gaw» est raccourci de «Oh ne gaw», qui signifie «eau»)
Yoon gwa façon ah aye
_Nous aimons, vocable
Yoon gwa no loon gwa
_Nous aimons
Way ah way ah aye
_ (Vocable, sans signification)
Yah, yah tewaka (tshennonin)
_Non ce n'est pas content, je ne suis pas content
Yah yah skennen'ko'wa
_Pas de grande paix
Skennen'ko'wa
_Grande paix
Shonkwaiatison
_ Le créateur
«Les Amérindiens sont toujours très présents dans ce monde, même si beaucoup pensent que nous sommes éteints», a récemment déclaré Jaraneh. «Donc, pour moi, avoir l'opportunité d'exprimer la sagesse ancienne, le langage et la prière par le chant, en ces temps modernes, était vraiment une bénédiction.»
 

  

Le travail du compositeur de films introduisant une musique culturelle sur une partition est toujours un exercice d'équilibre délicat. Je me suis efforcé de représenter les aspects de la musique amérindienne aussi authentiquement que possible, cependant, je devais également répondre aux besoins dramatiques immédiats de chaque scène. En conséquence, l'instrumentation amérindienne finissait fréquemment par être intégrée à la tapisserie plus large des cordes orchestrales, de l'instrumentation folklorique anglaise et américaine et des percussions modernes. 

L'un des meilleurs exemples de ce type de pollenisation croisée musicale est peut-être le générique de fin et de fin du onzième épisode, «If Not For Hope». Écoutez une base solide fournie par les percussions et les bois amérindiens, soutenant une déclaration triste du thème Roger et Brianna, où l'ostinato de guitare ludique a été déplacé vers des lignes de violoncelle profondes et douloureuses. (Consultez mon blog sur la notation  des épisodes péruviens de «Da Vinci's Demons»  avec des chanteurs indigènes pour une autre histoire à ce sujet dans mon travail.) 

 

OUTLANDER EN AMÉRIQUE 

 

Noter n'importe quel projet de cette envergure est un sport d'équipe massif, et j'ai la chance d'être soutenu par les meilleurs du secteur. Je veux prendre un moment pour remercier toute mon équipe chez Sparks & Shadows pour tout ce qu'ils font pour que tout fonctionne, et veiller à ce que la musique franchisse la ligne d'arrivée à chaque fois, en particulier Kaiyun Wong et Marisa Gunzenhauser. Je tiens à remercier mon équipe d'écrivains supplémentaires, en particulier Jason Akers, Omer Ben-Zvi, Sam Ewing, Joanna Pane et Michael Beach. Merci à tout le monde chez Kraft-Engel Management, en particulier à Sarah Kovacs, pour tout leur soutien, et à Joe Augustine de Sparks & Shadows, et Jaime Cyr de Madison Gate Records, pour leur formidable contribution au développement de l'album de la bande originale. Je tiens également à remercier notre infatigable groupe d'orchestrateurs, copistes, ingénieurs, séquenceurs et interprètes, avec des remerciements spéciaux à Ryan Sanchez, Ryan Walsh, Nick Fister, Sergio Jiménez Lacima et Andy Harris. Je suis reconnaissant à chacune de ces personnes, dont chacune travaille de longues heures pour s'assurer que le score Outlander  brille de toutes les manières possibles et est à la hauteur de la promesse remarquable de l'histoire. Ma gratitude éternelle va à Ron Moore, Diana Gabaldon et tous les producteurs de la série, pour l'opportunité de contribuer à cette série unique. 

Je n'aurais jamais pu imaginer que je tomberais sur un seul projet qui me permettrait d'intégrer à la fois cornemuses et banjos, explorer les ornements baroques français, les polyrythmies afro-cubaines féroces, ou créer un hybride de musique folk écossaise et américaine, contre une épine dorsale de rythmes amérindiens percussifs. Travailler sur  Outlander  continue d'être l'un des défis créatifs les plus exaltants de ma carrière, et j'ai hâte de voir où mon voyage mènera ensuite. 

En parlant de l'avenir, je suis heureux d'annoncer que je travaille actuellement avec l'équipe Sparks & Shadows, Madison Gate Records et Sony Classical sur l'album de la bande originale de la quatrième saison! Regardez cet espace, ou mes flux de médias sociaux, pour plus de détails bientôt. 

  

  

-Bear